El pasado martes 27 de Julio en las instalaciones de CONARTE NL se dio a conocer la lista oficial de los seleccionados para participar en el 6to Festival Internacional de Cine Monterrey 2010 que se llevará a cabo del 20 al 29 de Agosto de 2010.

En el evento estuvo del Lic. Reynold Guerra, Director del Centro de las Artes,  Juan Manuel González Director del Festival, Luis Garza Director de Programación y Narce Dalia Ruiz, programadora asociada del Festival, la cifra alcanzada para esta edición entre largometrajes y cortos fue de 2,023 de 98 países, de los cuales solo participaran 10 largometrajes y 40 cortos en la Competencia Internacional; en la categoría México de Norte a Sur serán 10 largometrajes y 19 cortos, y en la República de los Leones: Cine de Nuevo León,  competirán 4 largos y 8 cortometrajes, en esta categoría se verá el talento regio  con cintas como: Café Brasil de Benjamín Contreras, Los Carboneros de Melissa Saucedo, Matachines: Los soldados de la Virgen de Rubén Benavides y Respira de Victor Ponce y Daniela Garza.

Durante la 6ta edición del FIC será la primera vez que se presenten cintas de Guyana Francesa, Azerbaiján y Zimbabwe. Además se presentarán las sedes para esta edición que serán Cinépolis Garza Sada y el ubicado en Plaza Galerías Monterrey, así como la Cineteca Nuevo León dentro del Parque Fundidora, cabe mencionar que el costo de las entradas será bastante accesible en Cinépolis de $30 pesos por función con la oportunidad de obtener un pase para 4 cintas por solo $100 pesos, y en la Cineteca de $25 pesos.

Se integrarán además la Explanada del Museo de Historia Mexicana y el Instituto de Relaciones Culturales con funciones gratuitas.

Entre los países de las cintas seleccionadas se pueden mencionar: Francia, Alemania, Colombia, Estados Unidos, Turquía, Argentina, Finlandia, España, Polonia, Croacia, Reino Unido, Japón,  México entro otros.

En ediciones pasadas del Festival se ha alcanzado una asistencia de alrededor de 28mil asistentes, homenajeado a diferentes personajes de la industria cinematográfica tanto nacional como internacional.

Esperemos llevarles en Region4tv todo lo que ocurra durante el 6to Festival de Cine Internacional de Monterrey.

Para consultar la lista oficial de seleccionados den clic aquí.

http://www.monterreyfilmfestival.com

Yo, si, yo soy cosmonauta porque no encuentro razón para no serlo, aunque no entiendan de inicio de lo que hablo es importante tener metas, sueños y logros.

El cosmonauta es un proyecto de cine que hace una revolución del cine actual, es la revolución que por primera vez toma en cuenta al espectador, que por primera vez éste es la clave de la película, es la película que no se pelea con la distribución web, que prefiere acoplarse a las nuevas tendencias en lugar de pelearse con ellas y acusarnos así a muchos de ser “Piratas”.

Les dejo el Teaser Trailer para que vean de qué va, pero si quieren formar parte Visiten la página del cosmonauta AQUI.

Cosmonaut Trailer from ZenFilms on Vimeo.

Tuvimos la oportunidad de asistir a la rueda de prensa del FCL realizada en las Cineteca de Nuevo León,del Centro de las Artes, en su tercera edición de este Festival, se contará con 10 películas Latinoamericanas, entre los países invitados están Colombia, Perú, Uruguay, México, Argentina y Brasil. La citas se presentarán el 23, 24 y 25 de Abril, en horarios de 16:00, 18:00, 20:00 y 22:00 hrs en las Salas 1 y 2 de la Cineteca, la cartelera de películas incluyen las nominadas al Oscar como película extranjera: “La teta asustada”,  de Claudia Llosa, que obtuvo el Oso de Oro en el Festival de Berlín, y la ganadora argentina al Oscar “El secreto de sus ojos”, del director Juan José Campanella.

Además películas como: “Cinco días sin Nora”, ganadora de varios Arieles, de Mariana Chenillo y “Norteado”, de Rigoberto Perezcano, ambas de México; de Colombia se presenta “El vuelco del cangrejo”, de Oscar Ruiz Navía; Argentina , “Música en espera” de Hernán Goldfrid; de Chile, las cintas “La buena vida”, de Andrés Wood y “La nana”, de Sebastián Silva, que obtuvo el premio Silver George a la mejor dirección del Festival Internacional de Cine de Moscú de 2009. “Chenga de Saudade” de Lais Bodanzky (Brasil), y por último de Uruguay, “Gigante”, ganadora del Oso de Planta de Berlín 2009.

Además de presentarse en la Cineteca, se realizarán funciones alternas en: UANL – Auditorio Juan Alberto Pérez Ponce (21 de Abril), UDEM – Sala 2101 (20 de Abril), ITESM – Auditorio de Comunicación y Periodismo (22 y 23 de Abril), Puebla – Auditorio UDLAP (27 y 28 de abril), Universidad de las Américas Puebla, Colima – Cine Universitario, Museo Regional de Historia de Colima (5 y 6 de mayo).

“Se trata de una programación vasta en relatos y voces que sin duda reforzará los puentes entre la audiencia y la maravilla del filme cinematográfico”, comento Matías Mosteririn, curador del festival.

La entrada a cada función será de 25 pesos (bastante accesible), y se otorgará un 50% de descuento en los estacionamientos del Parque Fundidora. Así que no hay pretexto para disfrutar de estas 10 cintas que estamos seguros no llegarán pronto (o nunca) a la cartelera comercial de los cines en la ciudad.

El Festival Latinoamericano de Cine, es organizado en conjunto entre CONARTE, Ternium y la Fundación Proa –asociación cultural con sede en Argentina-.

Puedes consultar la cartelera completa, noticias y más información de cada película en el sitio del Festival: http://festivaldecine.com.mx

Estén al pendiente de nuestro Twitter y Facebook ya que tendremos boletos GRATIS para la gente que viva en Monterrey y pueda asistir al Festival de Cine Latinoamericano – Monterrey 2010-

Las películas con mitos alrededor de ellas son prácticamente éxito seguro, “The Dark Knight” estuvo tan cercana a la muerte del actor Heath Ledger que incluso antes de estrenarse era considerada una película de culto. Lo que muchos olvidaron es que Ledger dejaba inconclusa una película que tuvo que ser rescatada ya que no alcanzó a grabar todas sus escenas, lidereada no por un actor vuelto ídolo sino por un director de culto con una visión irreverente del mundo: Terry Gilliam.

México fue uno de los últimos países a nivel mundial en recibir la película, que aunque estuvo presente en el festival de Morelia no vio la luz en cines comerciales sino hasta el 9 de abril, casi un año después de su original estreno en Cannes.

“El imaginario mundo del Doctor Parnassus” es justamente eso, una oda a la imaginación, una película que bien merece las dos nominaciones a los Oscar que recibió Dirección de Arte y Vestuario. La historia cuenta el desarrollo de un teatro ambulante que se coloca en lugares diferentes a lo común buscando atraer a las personas, a ellos, se suma Tony (Heath Ledger) quien ha perdido momentáneamente la memoria y que esconde algunos secretos.

Los mayores logros de la película radican en la incongruencia misma del guión, una historia no realizada para niños ni para personas que no gusten de lo ilógico, ya que al atravesar el espejo del teatro, todo cobra un sentido distinto y nada puede ser cuestionado pues nos encontramos en el terreno de la imaginación. Uno de los mayores temores con la película era conocer como se solucionaría el hecho de que Heath Leadger murió justamente sin grabar las escenas correspondientes al interior de la imaginación, por lo cual Jude Law, Colin Farrel y Johnny Depp se unieron al elenco para realizar estas escenas, sinceramente imaginé que sería forzada la forma de solucionar un problema tan complejo en el guión, aunque sorpresivamente, la solución es tan buena que uno termina creyendo que el guión estuvo concebido así desde un inicio.

A mi parecer, y que conste que lo que digo siempre está en tela de juicio, “El imaginario mundo del Doctor Parnassus” es la única buena película de fantasía que nos deja un año que prometía mucho para este género. Terry Gilliam demuestra que su forma de contar no es precisamente la más ortodoxa, pero si muy funcional cuando de teatro del absurdo se trata y lo ha demostrado a lo largo de su carrera. A diferencia de películas como “The Lovely Bones”, encontramos un balance real entre el argumento y los efectos especiales, entre lo que importa y lo que es solamente un adorno visual, la película no sólo merece la pena, logrará atraparte en todos los sentidos, por su excelente realización, buen ritmo, buena música, buenas actuaciones y una buena historia que para algunos valdrá verla más de una ocasión. Cierto es que Heath Ledger dejó un buen legado.

Con más de 15 actores reconocidos, “Valentine’s Day” intentará probar que más que un día, el amor es un sentimiento especial.

Durante los próximos meses hablaremos de muchas películas que siguen el mismo esquema que “Valentine’s Day”, un mínimo de 5 actores altamente reconocidos, un director renombrado y una fecha especial intentando de esta manera no errar en ningún aspecto en el camino a recobrar la mayor cantidad de dinero posible en taquillas.

En esta película encontramos todo lo necesario para que se vuelva un chick flick altamente rentable, no sólo por la fecha, sino por que la mujer promedio no dejará pasar la oportunidad de ver a tanta personalidad en la pantalla grande, todos, bajo el tema del Día de San Valentín, que comercial o no, logra atrapar a la gran mayoría de la población.

La película tiene buenos elementos de comedia, con actuaciones lo suficientemente frescas como para lograr que los 125 minutos de duración se sientan relativamente ligeros, el problema, si nos ponemos quisquillosos es más de fondo, que de forma.

La historia principal de la película corre a cargo de Ashton Kutcher y Jessica Alba, historia que después de los primeros treinta minutos cae en una cantidad impresionante de clichés con un final sumamente predecible que arruina el nivel de innovación que tenemos con historias como las actuadas por Bradley Cooper y Julia Roberts, Jamie Foxx y Jessica Biel y Anne Hathawey y Topher Grace.

El principal error de la película radica justamente en eso, tantas personalidades que al llegar el momento de la verdad no se supieron explotar al 100% como lo vemos con “Love Actually”, película inglesa con la cual es inevitable la comparación. Taylor Swift y Taylor Lautner representan una historia de amor que no cumple ninguna función dentro de la película, el forzado desarrollo de Eric Dane (McSteamy en Grey’s Anatomy), tanto como personaje como en la historia es sin duda alguna uno de los peores elementos, siendo esto, sumado a los clichés lo que no termina de volver a “Valentine’s Day” una buena película de comedia romántica.

Al final, “Valentine’s Day” es una película para pasar el rato, una de esas que vale la pena ir a ver acompañado por el simple hecho de que está realizada con esa finalidad, mientras que algunas historias son extraordinarias otras no lo son tanto pero como producto entretiene y gustará para aquellos que son de lágrima fácil o enamoradizos. Probablemente los espectadores más exigentes no la disfrutarán pero no podrán negar que se pasa un buen momento en la sala de cine. Una película escrita por  una mujer (Katherine Fugate) para las mujeres, que a los hombres hará reír por que hay una muestra de todos los tipos de amor y todos los tipos de posiciones ante el Día de San Valentin y que la mujer promedio, querrá tener en su colección de DVD’s.

El cine mexicano desde “Sexo, Pudor y Lágrimas” nos ha demostrado que como industria e incluso como arte tiene la personalidad de un adolescente, está en la búsqueda constante de su identidad, y las películas, constantemente buscan la experimentación. Es así como encontramos ya varias corrientes que han seguido lineas temáticas distintas en los últimos años, por un lado “Amores Perros”, “Y tu mamá también”, etc y por otro lado “Cansada de besar sapos”, “La misma luna” o “El Estudiante”.

“Regresa”, la película más reciente de Jaime Camil es producida, dirigida y escrita por Alejandro González Padilla quien intenta durante 99 minutos enamorar a un público de una historia que en el trailer sonaba innovadora, pero que en la pantalla grande deja mucho que desear.

María (Blanca Soto) es una mujer que cansada de la monotonía y sospechando que su esposo le es infiel, decide asistir a una sesión en la que podrá averiguar cosas sobre su vida pasada, sorprendentemente María queda atrapada en la regresión y Ernesto (Jaime Camil) intentará que todo vuelva a la normalidad.

El mensaje de fondo que se busca transmitir es muy sencillo, “Uno no sabe lo que tiene hasta que lo ve perdido”, triste que el desarrollo de los personajes sea tan pobre como en un anuncio televisivo, pésima elección grabar en España cuando en el producto final los exteriores no lucen y salir del país con una producción eleva muchísimo los costos que se pudieron haber utilizado para hacer una revisión EXHAUSTIVA, de un guión que se queda en el famoso “ya merito” del mexicano. Me da gusto que se hagan intentos por contar historias distintas, y creo que ese es el único “acierto” que pudiera llegar a tener la película.

El colmo sin duda son los últimos diez minutos que saben amargos, a un guionista que se lavó las manos en el momento más importante por que la solución planteada al final de la película es patética, se percibe que incluso el guionista al no saber como terminar la película decidió hacerlo de una manera que consideró poco tradicional olvidando que caía en el cliché del final que “busca ser inesperado”.

La película no es ni siquiera rescatable. Seguramente a todas las fanáticas de Jaime Camil les parecerá por lo menos una película entretenida, pero ¿en serio? ¿vamos a ir al cine por un actor por demás sobrevaluado (y sobreactuado)? Mi perspectiva es que no, pero habrá quien lo haga y disfrute de una película de la que muchos reclamarán el pésimo final, que no define ni la identidad de sus personajes, ni profundiza en la trama, ni termina por convencer, es una película que brinca de identidades, cambia de ideas y termina sin cerrar algunos cabos cayendo en lo ilógico, justamente como los adolescentes.

La película que engloba el pensamiento y sentimiento de los últimos años. Una clausura a la década 2000-2009, desde la crisis económica hasta el replanteamiento de valores.

Siempre he creído que el cine no se puede analizar únicamente desde la perspectiva de la historia puesto que no es literatura, es justamente un arte que envía múltiples mensajes incluso inconscientemente entre los cuales están el sonido, el video y la historia. La verdad de las cosas es que además, aunque no soy experto tengo un conocimiento amplio sobre la parte técnica del cine lo que me lleva a analizarlo desde un punto diferente al de la historia.

La razón por la cual comienzo así este post es por que de esa manera se siente la última película de Jason Reitman, personal. El planteamiento es muy sencillo Ryan (George Clooney) tiene un trabajo poco común que consiste en despedir a los empleados de las empresas cuando los jefes no quieren dar la cara, el argumento, sin duda alguna, es un pretexto para dar una cátedra sobre toda una generación, por que “Up in the air” o “Amor sin escalas” por su traducción al español es justamente eso, una película que engloba como ninguna otra el pensamiento y sentimiento de la última década.

Se dice que la sociedad está en decadencia y es sin duda alguna una afirmación muy osada, desde mi perspectiva la sociedad se encuentra desde hace poco más de 60 años en búsqueda de una identidad que poco a poco ha ido cayendo en una replanteación de valores, desde éticos, morales y religiosos hasta interpersonales, con temas justamente como la separación de la familia, el no compromiso, nuestro dreamjob enfocado a viajar, el amor e incluso la migración de lo personal a lo digital, “Up in the air”, hace una reflexión sobre momentos sumamente importantes y hoy en día cotidianos de nuestras vidas como lo es el despido de un trabajo y el poco compromiso que buscamos tener en nuestro proceder.

En cuestiones técnicas encontramos el sello característico de Jason Reitman que hemos visto en películas como “Juno” y “Thank you for smoking”, tomas que aunque sencillas, repletas de alegorías a lo que se está hablando en la trama, con muchísimos detalles visuales que sin duda hay que revisar en los extras de la película en momentos clave de la historia y actuaciones sumamente realistas al grado tal que en la etapa final de la película es inevitable un sentimiento de reflexión.

“Up in the air” es una reflexión a nuestra forma de ver las cosas, un pensamiento plasmado en una película que tristemente no tendrá el reconocimiento que Jason Reitman lleva seduciendo desde la no tan lejana “Thank you for smoking” que es el de los Globos de Oro o los Oscar. Películas justamente como estas son las que hacen que nos demos cuenta que al final de todo, más allá de entretener el cine es un contador de historias que se fundamenta siempre en un guión. La cara de Jason Reitman cuando perdió contra Avatar en la categoría de mejor película el pasado domingo en la entrega de los Globos de Oro lo dijo todo, sin duda una película con múltiples mensajes como esta debe ser reconocida, por el público que probablemente se entristecerá y reflexionará al verla y por los críticos que deberían premiar una película sincera y personal.

Ruben Fleischer dirige por primera ocasión algo para la gran pantalla. Con 20 millones de dólares y actores por demás consolidados como Woody Harrelson, Bill Murray y Abigail Breslin otorga una cátedra sobre la forma de hacer cine, no sólo en cuestiones técnicas sino también pensando en el cine como industria.

El bajo presupuesto de la producción se ha inflado hoy en día a más de 100 millones de dólares, la razón es muy sencilla, la película cumple el motivo principal del cine que es entretener. Los primeros 10 minutos dejan todo claro en una historia en la que hay poco avance en los personajes y mucha testosterona. La secuencia de títulos iniciales es el perfecto ejemplo de como se debe utilizar una cámara Phantom más allá de los concursos de cachetadas auspiciados por Yordi Rosado y el soundtrack, es sin duda como para escucharse en una sala de cine con buen sonido.

Zombieland entretiene por el humor negro que maneja y la sencillez de la historia, un road movie en donde los personajes principales tienen que huir de un mundo invadido de zombies hambrientos. La utilización de los letreros que presentan las reglas son un elemento que agrega comicidad dada la sutileza con la que están utilizados, la película técnicamente no deja de sorprender los 88 minutos de duración por la buena selección de música, la utilización de elementos originales y la buena producción a pesar del bajo presupuesto.

Al final, Zombieland es una extraordinaria película que divierte en escenas como la de BM y nos deja claro que en Hollywood se necesita crear un balance entre directores, guionistas y productores con ideas innovadoras, el presupuesto siempre es lo de menos, en el caso de Zombieland ayudó a que se recaudara cinco veces más del costo de la película dejando en claro que el modelo de negocios en la meca del cine debe estar enfocado a las historias innovadoras y no a los remakes y secuelas/precuelas. Es muy difícil encontrarse directores cuyas primeras realizaciones sean aplaudidas por la crítica, tristemente Ruben Fleischer se aventurará a la realización de “Zombieland 2” en donde demostrará que el éxito obtenido no fue solamente un golpe de suerte.

El próximo domingo 17 se llevará acabo la 67va entrega de los Golden Globe Awards, la antesala para el premio Oscar. Te presentamos la lista de nominados en las categorías referentes al cine, recuerda que estos premios también se entregan a los mejor de la TV gringa, la transmisión la puedes seguir por el canal TNT desde la 17:00hrs (canal 15/604 en Cablevisión Monterrey, 610 Cablevisión DF, 415 Sky, 602 Dish México y en el canal de tu sistema de tv de paga).

Lista de Nominados

MEJOR PELÍCULA – DRAMA
AVATAR
THE HURT LOCKER
INGLOURIOUS BASTERDS
PRECIOUS: BASED ON THE NOVEL PUSH BY SAPPHIRE
UP IN THE AIR

MEJOR ACTRIZ DE PELÍCULA – DRAMA
EMILY BLUNT POR THE YOUNG VICTORIA
SANDRA BULLOCK POR THE BLIND SIDE
HELEN MIRREN POR THE LAST STATION
CAREY MULLIGAN POR AN EDUCATION
GABOUREY SIDIBE POR PRECIOUS: BASED ON
THE NOVEL
PUSH BY SAPPHIRE

MEJOR ACTOR DE PELÍCULA – DRAMA
JEFF BRIDGES POR CRAZY HEART
GEORGE CLOONEY POR UP IN THE AIR
COLIN FIRTH POR A SINGLE MAN
MORGAN FREEMAN POR INVICTUS
TOBEY MAGUIRE POR BROTHERS

MEJOR PELÍCULA ANIMADA
CLOUDY WITH A CHANCE OF MEATBALLS
CORALINE
FANTASTIC MR. FOX
THE PRINCESS AND THE FROG
UP

MEJOR PELÍCULA – COMEDIA O MUSICAL
(500) DAYS OF SUMMER
THE HANGOVER
IT’S COMPLICATED
JULIE & JULIA
NINE

MEJOR ACTRIZ DE PELÍCULA – COMEDIA O MUSICAL
SANDRA BULLOCK POR THE PROPOSAL
MARION COTILLARD POR NINE
JULIA ROBERTS POR DUPLICITY
MERYL STREEP POR IT’S COMPLICATED
MERYL STREEP POR JULIE & JULIA

MEJOR ACTOR DE PELEÍCULA – COMEDIA O MUSICAL
MATT DAMON POR THE INFORMANT!
DANIEL DAY-LEWIS POR NINE
ROBERT DOWNEY JR. POR SHERLOCK HOLMES
JOSEPH GORDON-LEVITT POR (500) DAYS OF SUMMER
MICHAEL STUHLBARG POR A SERIOUS MAN

MEJOR DIRECTOR – PELÍCULA
KATHRYN BIGELOW POR THE HURT LOCKER
JAMES CAMERON POR AVATAR
CLINT EASTWOOD POR INVICTUS
JASON REITMAN POR UP IN THE AIR
QUENTIN TARANTINO POR INGLOURIOUS BASTERDS

MEJOR GUION DE PELÍCULA
NEILL BLOMKAMP Y TERRI TATCHELL POR DISTRICT 9
MARK BOAL POR THE HURT LOCKER
NANCY MEYERS POR IT’S COMPLICATED
JASON REITMAN Y SHELDON TURNER POR
UP IN THE AIR
QUENTIN TARANTINO POR INGLOURIOUS BASTERDS

MEJOR BANDA DE SONIDO DE PELÍCULA
MICHAEL GIACCHINO POR UP
MARVIN HAMLISCH POR THE INFORMANT!
JAMES HORNER POR AVATAR
ABEL KORZENIOWSKI POR A SINGLE MAN
KAREN O, Y CARTER BURWELL POR WHERE
THE WILD THINGS ARE

MEJOR CANCION ORIGINAL DE PELÍCULA
“CINEMA ITALIANO” — NINE – MUSIC & LYRICS
BY: MAURY YESTON
“I WANT TO COME HOME” — EVERYBODY’S FINE -
MUSIC & LYRICS BY: PAUL MCCARTNEY
“I WILL SEE YOU” — AVATAR – MUSIC BY: JAMES
HORNER, SIMON FRANGLEN – LYRICS BY: JAMES
HORNER, SIMON FRANGLEN, KUK HARRELL
“THE WEARY KIND (THEME FROM CRAZY HEART)” —
CRAZY HEART – MUSIC & LYRICS BY: RYAN BINGHAM,
T BONE BURNETT
“WINTER” — BROTHERS – MUSIC BY: U2 – LYRICS
BY: BONO

La lista completa de los nominados la puedes descargar en PDF

Bienvenidos a Inglaterra: la tierra de Los Beatles, Harry Potter y Sherlock Holmes.

Reinventar es la clave en el cine de remakes de los últimos años. Se pueden hacer más versiones de Batman, de Superman e incluso de Sherlock Holmes si nos fijamos en el concepto clave: reinventar personajes e historias intentando agradar a un público más amplio incluyendo a los más jóvenes.

Bajo esta bandera Guy Ritchie recibe la historia del que probablemente sea el detective más famoso de todos los tiempos. La película comienza como todo buen Blockbuster, con un gancho directo al espectador, Lord Blackwood es atrapado por la policía gracias a Holmes y a Watson, después de esto, la película cae en una serie de errores prácticamente inexplicables.

El ritmo de la narrativa está diseñado para gente paciente y observadora, muchos de los sucesos y tomas que pasan por insignificantes son retomados en los últimos momentos de la película y es aquí, en donde radica el principal error. Pretenciosa, no es una película que te enganche y más de uno dará una que otra cabeceada, el ritmo cinematográfico al que estamos acostumbrados necesita de procesos problema-solución aunque sea en pequeñas dosis y es aquí donde la película cojea, en el momento en el que pasamos poco más de hora y media con ningún avance argumental, aunque haya pequeñísimas secuencias de acción.

La producción es impecable, una recreación maravillosa de la Inglaterra victoriana que me recordó a Sweeney Todd sin tanto azul, incluso en una línea se menciona la emblemática Fleet Street. El soundtrack de Hans Zimmer es lo más destacable de toda la película y llama la atención desde el primer instante. Las actuaciones, de lo más aplaudido por la crítica internacional, no están mal pero no representan un reto para los actores y es probablemente esto lo que haga que Robert Downey Jr, nominado al Globo de Oro como Mejor Actor en Comedia o Musical, no tenga prácticamente ninguna posibilidad de ganarlo.

Después de todo eso, ¿La película reinventa? No. La película es un buen ejercicio para Guy Ritchie que intenta salir de lo que lleva haciendo por años, aplaudida por la crítica por que se fundamenta bien en los libros y olvidando que el cine es la suma de muchos elementos, junto con todo esto, un guión pretencioso que acaba pecando de mal ritmo, dejando abierta la posibilidad a una secuela después de una pésima linea final y una duración de poco más de dos horas que parecen cerca de tres. Sin duda Sherlock Holmes es una más de esas películas que se unen al grupo de las dos vertientes de espectadores, los que la van a amar, y los que van a dar más de una cabeceada.